martes, 31 de enero de 2023

Como Cambiar Las Cuerdas De Tu Guitarra

Escrito por: Musired.com

Algo tan aparentemente fácil como encordar una guitarra puede realizarse de muy diversas formas, aunque si quieres conseguir un buen afinado de tu instrumento tendrás que hacerlo de forma correcta. Encordar bien desde un principio quiere decir acostumbrarse a obtener una buena afinación del instrumento en poco tiempo. 



Cualquier luthier puede decirlo. De los cientos (¿miles?) de instrumentos que pasan por sus manos sólo un 10%, aproximadamente, llegan adecuadamente encordados. Esto no deja de ser paradójico si tenemos en cuenta las alternativas:

  1. Dedicar 25 minutos a colocar mal unas cuerdas que en consecuencia se desafinarán constantemente y que además pueden llegar a saltarnos un ojo.
  2. Hacerlo adecuadamente en 10 minutos, disfrutar de una afinación estable y evitar riesgos físicos.

Todo el material necesario para esta operación es un alicate de corte. Cuanto más duro sea el filo mejor, ya que las cuerdas no son precisamente blandas. Puesto que poco a poco se irán marcando los filos, es mejor que tengáis un alicate para este uso específico y no utilicéis unos dedicados.

Cortar por lo sano.

El mito de que no se deben cortar las cuerdas antes de ponerlas en el instrumento sigue vivo. Según esta teoría debéis colocar la cuerda, afinar y, sólo entonces, cortar la longitud sobrante. La razón que se alega es que el entorchado puede aflojarse echando a perder la cuerda.

Sin embargo, la mayoría de las cuerdas se fabrican en la actualidad con un entorchado suplementario de seda en el extremo libre, literalmente sobre el núcleo de la cuerda, para impedir que esto suceda. Si no fuera éste el caso bastará, de todos modos, con doblar la cuerda 90º un centímetro justo antes del corte.

No te enrolles tanto…

Los mejores resultados se consiguen cuando una cuerda da entre dos y tres vueltas y media en el poste de la clavija. Cuanto más larga sea la cantidad de cuerda alrededor de la clavija más inestable será la afinación, ya que la cuerda cede y se recoloca de manera desigual; a medida que la tensión se redistribuye por la cuerda, ésta se afloja repentinamente produciendo un ruido característico y lanzándote de cabeza fuera del tono en mitad de la interpretación.

Hay músicos que tienden a acumular el máximo posible de vueltas alrededor del poste para aumentar, de este modo, la presión de la cuerda contra la cejuela y así evitar que la cuerda salte sobre ésta. Una solución mucho mejor es utilizar un calzo que presione las cuerdas contra la pala sin interferir en la afinación.

De todos modos, ante la duda, deja las cuerdas un poco largas, siempre podrás volver a cortar. Pero si cortas demasiado…

… y enróllate bien.

Hay varias formas de encordar correctamente según el tipo de instrumento. Los factores para tener en cuenta son: el tipo de cuerda, el ángulo de la pala, el tiro (scale) y el tipo de puente, pero sobre todo el tipo de clavija; hay clavijas grandes o pequeñas, con ranuras y con un profundo agujero vertical en el centro o con un agujero horizontal que atraviesa el poste de lado a lado.

En la mayoría de los bajos tipo Fender encontraremos clavijas grandes con una ranura en el centro del poste; se las conoce como orejas de elefante por la forma de la llave. Utilizaremos este tipo como ejemplo principal.

Paso 1

En estos instrumentos pasaremos la cuerda a través del cordal (o del cuerpo) y por encima de la selleta del puente. Es importante ser cuidadoso y rozar lo menos posible el entorchado con las partes metálicas.

Paso 2

A continuación, llevar la cuerda al tope y cortarla entre 7,5cm. y 9cm. más allá de su poste correspondiente (no sin antes haberla doblado 1 cm. más cerca del puente).

Paso 3

Encajar el extremo cortado en el agujero del poste tan profundamente como sea posible y luego doblar la cuerda 90º hacia un lado de la ranura. Empujar las cuerdas hacia atrás de manera que sobresalga lo más posible del puente sin desencajarse de la clavija. De este modo, el extremo prisionero de la cuerda (la bolita) queda libre para girar sobre el eje de la cuerda. Según vamos enrollando la cuerda en el poste de la clavija, ésta tiende a girar sobre sí misma. Si el tope de la cuerda está inmovilizado añadimos a ésta una torsión helicoidal, sometiendo al núcleo a una fatiga innecesaria y, en consecuencia, a un envejecimiento prematuro (esto no sucede con las cuerdas de doble bola -doble ball end-).

Paso 4

Apriétales las clavijas.
Girar la clavija con una mano mientras mantenemos la tensión de la cuerda contra el poste con la otra mano.

Paso 5

Debemos guiar la cuerda de manera que cada vuelta quede por debajo de la anterior.

Paso 6

Cuando la cuerda tenga cierta tensión, presionarla en el punto donde se separa del puente para doblarla (muy ligeramente) sobre la selleta, a fin de establecer un apoyo firme y un buen punto de flexión (witness point).

Paso 7

Una vez afinada la cuerda, tirar firmemente de ella en el punto medio (traste 12) y luego soltarla. La afinación se bajará bastante

Reafinar y repetir tres o cuatro veces este último paso. Ya estamos en orden de combate.

El proceso es similar para los bajos que llevan clavijas más pequeñas (Gotho, Schaller, M-4, etc.) pero teniendo en cuenta que un poste más pequeño supone menos longitud de cuerda por vuelta. Una longitud de cuerda entre seis y siete cm. más allá del poste será suficiente y asegúrate, antes de comprar las cuerdas, de que el extremo libre pueda entrar bien en el agujero del poste (no todas las cuerdas calzan bien en todas las clavijas).

Átame.

En instrumentos en los que un agujero atraviesa el poste de la clavija (bajos Hoffner, guitarras eléctricas, acústicas, etc.) usaremos una doblez de seguridad. Pasar el extremo de la cuerda por el agujero de la clavija y no tensarla a tope, dejar la cuerda suficiente para las dos o tres vueltas y media.

Entonces hacer una doblez de 90º y llevar el extremo libre de la cuerda media vuelta alrededor del poste en sentido contrario al que el poste gira para subir la afinación. Pasar la parte libre por debajo de la parte larga de la cuerda y luego cruzarla de vuelta por encima. En cuanto empecemos a girar la clavija, la cuerda quedará fijada.

Cirugía (no sólo) estética.

Dejar sin cortar los sobrantes de cuerda nos puede dar una estética muy a lo Sid Vicious, pero es también un seguro de pinchazos en las yemas de los dedos (el parche en el ojo es, por el contrario, opcional).

Por otro lado, al quitar las cuerdas viejas es conveniente cortar la parte que ha estado enrollada al poste para no dañar el acabado del instrumento.

Como casi todas las rutinas, ésta es mucho más simple de hacer que de explicar. Sin embargo, prestar atención a los detalles nos ahorrará tiempo, esfuerzo y dinero.

Seamos cuerdos.

Un amigo bajista (y guitarrista) nos dijo una vez: “cuando yo toco, tocamos la cuerda y yo; todo lo demás, el instrumento, pastillas, circuito, cables, amplificador, bafles sólo son soportes, que si son buenos dejarán pasar (para bien y para mal) todos los matices de mi ejecución y si no, los limarán hasta dejarlos sin ningún carácter”.

Así pues, si la cuerda es la principal fuente de tu sonido, enróllate con tus cuerdas.-

¿Qué riffs de guitarra recomiendan para practicar?

Buen día

Los riffs más recomendables para principiantes de la guitarra; primero definamos que es un riff









Es un patrón de interpretación que crea el intérprete y le permite lucir sus habilidades.

Un buen riff puede llegar a hacer historia dentro de la música, de hecho, algunos riffs han convertido ciertas canciones en emblemáticas para muchas generaciones de aficionados a la música.

Los expertos definen un riff como algo más que música para guitarra.

Es una línea melódica de acompañamiento, de uno o dos compases de duración: Su principal característica es que es repetitiva.

De hecho, consta de una base de uno o dos compases que se repite constantemente, al menos, sobre una parte del tema. Por lo tanto, la armonía debe adaptarse a él.

Un riff debe conseguir hipnotizar a quien lo escucha, por lo que no puede ser más largo de dos compases: De esta manera, su efectividad no se pierde en ningún momento y puede llegar a sonar obsesivamente, una y otra vez.

Aprender riffs de guitarra clásicos y sencillos te brindará la base que necesitas para componer tus propias melodías, además de ampliar enormemente tus horizontes y tu vocabulario musical.

Muchos de los ejemplos a continuación son extremadamente fáciles de entender y aprender, por lo que son adecuados tanto para guitarristas experimentados como para principiantes.

Muy a menudo, las tareas de un riff de guitarra incluyen, en primer lugar, la tarea de la armonía y la melodía principal, la designación de los tónicos y los pasos utilizados en la canción.

En segundo lugar, el riff debe enfatizar y complementar el patrón rítmico, junto con el bajo y la batería. Por lo tanto, necesitas practicar tocando riffs con un metrónomo o tambores planos pregrabados.

Es muy importante establecer acentos y enfatizar los tiempos golpeando las cuerdas porque así es como las frecuencias adicionales de su instrumento amplificaron el bombo y el bombo.

A continuación, te daremos a conocer algunos riffs que puedes empezar a aprender a tocar mientras sigas fortaleciendo en su proceso de aprendizaje de poder tocar la guitarra:

10 riffs de guitarra

– Nirvana – Come as you are

– The White Stripes – Seven Nation Army

– The Who – My Generation

– Michael Jackson – Beat It

– Aerosmith – Walk this way

– Deluxe – Qué no

– ZZ Top – La grange

– Black Sabbath – Iron Man

– The Kinks – You really got me

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Sobre la guitarra clásica

GUITARRA

 

¿Todos los músicos rompen sus guitarras?

Hemos visto que en conciertos de rock especialmente los artistas se apasionan con sus fanáticos y como acto de heroísmo han roto sus guitarras, pero esto no es un caso típico,

Si esto llegase a ocurrir en un artista, principiante, puede ser debido al manejo inadecuado que se le da a la guitarra.











Cuando se está en modo de aprender a tocarla y a veces no sabe las notas o ritmos que desea tocar, puede ocurrir algún tipo de daño a la guitarra, ya que es un proceso de repetición que se requiere de paciencia y constancia.

También cuando los músicos expertos y artistas reconocidos en pleno espectáculo rompen o destruyen por completo, su guitarra como parte del show.

A continuación te daré a conocer cuáles artistas han cometido esta atrocidad, que se ha convertido con el tiempo en parte de sus presentaciones y giras alrededor del mundo.

El primero en destrozar una guitarra en el escenario fue Pete Townshend de la banda The Who en 1964 durante un concierto. A partir de ahí, se convirtió en algo común de sus presentaciones.

Pronto empezaron a empezaron a aparecer imitadores. Entre ellos: Jimi Hendrix. Cuando Jimi comenzó a romper sus guitarras, Towshend se enfadó con él por considerar que había robado su performance. Siendo así y para dejar mal parado a Jimi, Pete consiguió que su grupo tocará antes en el Festival de Monterey en 1967. Más tarde, Cuando Jimi iniciaba su set, pete comentaba “Quiero ver lo que va a hacer ahora”.

Al final, cuando la guitarra de Jimi Hendrix ardio en llamas, Keith Moon se puso hecho una furia y le dijo a Pete “¡Serás idiota! ¿Por qué no pensaste en hacer eso tú? Jimi había superado al grupo inglés, había creado un ritual.

Su gesta tuvo tal repercusión que el guitarrista decidió incluir esta parte del espectáculo en todos los conciertos de The Who y la revista Rolling Stone lo puso en su lista de los “50 momentos que cambiaron la historia del rock & roll”. También llevó a que su compañero de banda, el batería Keith Moon, lo imitase destrozando su propio instrumento, aunque con ideas mucho más extremistas.

El más descabellado fue en el debut de la banda en televisión en Estados Unidos. Moon dinamitó literalmente su batería, con cargas que fueron detonadas al final de la canción My Generation. Esta explosión hizo que la invitada Bette Davis casi se desmayara, que el pelo del guitarrista Townshend se prendiera en llamas y que el propio Moon saliera también herido, con un corte en el brazo producido por uno de los platillos. La mayoría de los guitarristas, por suerte, no fueron tan lejos.

Como decía al principio, un gran icono en lo que a romper guitarras se refiere es Jimi Hendrix, quien tardó muy poco en imitar a Townshend. De hecho, el creador de esta moda no se tomó muy bien la imitación. En 1967, ambos grupos tocaron en el Monterrey Pop Festival. Los dos querían cerrar el concierto, y el azar de una moneda al aire le dio el último número a Hendrix. Para hacerlo por todo lo alto, Hendrix prendió fuego a su guitarra.








El guitarrista Pete Townshend en una actuación en 2016

Mario Anzuoni / Reuters

Sin embargo, ni Hendrix ni Townshend se llevan el récord de haber destrozado más guitarras a lo largo de su carrera. Quien puede presumir de ello es el guitarrista y vocalista de Muse, Matt Bellamy, que tiene el récord Guinness, con 140 guitarras destruidas durante el tour de Absolution en 2003.

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Rincón de la guitarra

 

¿Qué matemática se utiliza en teoría musical?

 

Es una interesante pregunta: porque, aunque no parezca y muchas personas optan por estudiar y/o dedicarse a la música por querer huir de las matemáticas











Me temo que hay una confusión, ya que las matemáticas se aplican prácticamente a todos los aspectos de la vida cotidiana en general.

la relación que existe entre las matemáticas y la música es particularmente estrecha.

Se extiende desde la construcción de las distintas teorías musicales, los sistemas de afinación, hasta la propia composición musical asistida por ordenador: donde se utilizan algoritmos y modelos matemáticos.

También ofrece unas condiciones especialmente favorables para la elaboración de distintas familias algorítmicas.

El objetivo fundamental de las mismas radica en la consecución de una creatividad artificial aplicada a la composición musical, suficientemente desarrollada como para engañar al oído del melómano experimentado.

Dentro de las numerosas aportaciones realizadas tradicionalmente por los distintos investigadores destacan los resultados obtenidos por algoritmos procedentes del ámbito de la Inteligencia Artificial:

·         – La utilización de algoritmos evolutivos para la creación de transiciones entre distintos materiales musicales.

·         – El desarrollo de gramáticas formales aplicadas a distintos parámetros musicales.

·         – La implementación de técnicas de aprendizaje supervisado mediante el análisis informatizado de grandes corpus de obras con las que emular determinados estilos musicales o compositores.

·         – El entrenamiento de redes neuronales o redes neuronales profundas.

·         – El análisis estadístico con el que implementar modelos markovianos de distintos órdenes.

·         – La utilización de autómatas celulares.

Los pioneros en desarrollar el campo de la composición musical mediante música y matemáticas fueron L. Hiller, M. Mathews, B. Truax, O. Koenig, I. Xenakis, entre muchos otros.

La calidad de las composiciones generadas por estos algoritmos ha mejorado radicalmente desde sus inicios hasta la actualidad; pasando de ser sencillas y rudimentarias melodías a composiciones musicales completas, divididas en secciones e instrumentadas íntegramente por el computador.

Sin embargo, los resultados actuales de la creatividad musical informatizada, aunque espectaculares, no son capaces todavía de igualar las mejores composiciones humanas.

Es más hay una teoría que se basó en un diseño de patrones que se aplican en la música denominada el serialismo, como se lo conoce a veces, tuvo origen en el dodecafonismo de Schönberg y evolucionó de varias maneras.

Aplica reglas sobre la forma en que las notas de una escala se pueden colocar en una pieza, la forma en que aparecen en una serie y cómo forman un sentido de unidad en la música.

Schönberg rechazó la repetición en una serie de notas o dictaminó que todas las notas deben tener el mismo valor, que no se puede enfatizar una sola nota más que otra.

Puede que no sean matemáticas, pero se le perdonaría a quien describa la técnica como matemática.

El serialismo crea patrones basados en reglas que pueden conducir a una disonancia que nuestros oídos, o nuestra emoción, de lo contrario podrían rechazar, pero la teoría sería lo permite.

Especialmente porque la falta de repetición significa que hay pocos marcos de referencia.

Más tarde, el teórico y filósofo musical, Theodor Adorno, sugirió que la "Neue Musik" (nueva música) de principios del siglo XX era algo más que el serialismo, o las reglas no armónicas.

Se trataba de expresar sonidos que reflejaban el mundo que les rodeaba, que era cada vez más industrial y no armónico.

Describir el universo tal como lo veían, en el arte. Lo que los pitagóricos esperaban hacer antes que ellos.

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Sobre la guitarra clásica

 

¿Por qué es importante estudiar la música?

Investigaciones recientes han demostrado los efectos de la música para estimular nuestro cerebro y mejorar nuestro bienestar y desarrollo cognitivo.









De entre todos los géneros musicales, la melodía que emana de los instrumentos clásicos de viento, percusión o cuerda provoca en nuestro interior una sensación de paz, armonía y tranquilidad que despejará todas las preocupaciones y pesares.

El estrés puede jugarnos una mala pasada en nuestra salud física e intelectual, presentándose como un auténtico impedimento para nuestros hábitos de estudio.

La música aportará a nuestro organismo esa tranquilidad tan necesaria y que nos permitirá afrontar cualquier obstáculo.

Aprender a tocar un instrumento genera varios beneficios que te pueden convertir en una persona exitosa.

Llegar a dominar un instrumento puede ser un arduo trabajo, pero trae muchas recompensas para tu cerebro y te dará herramientas para ser exitoso en todos los aspectos de tu vida. Sigue leyendo para descubrir por qué la educación musical es tan importante.

1. Incrementa el desarrollo del cerebro

Tocar un instrumento tiende a afectar el cerebro de forma positiva, sobre todo cuando se aprende a una temprana edad. Según informa Parenting Science, los niños que empiezan desde los 9 a los 11 poseen un mayor volumen de materia gris.

Aunque este hecho no demuestra que los músicos sean más inteligentes, sí es indicio de que el cerebro atraviesa cambios muy interesantes y genera conexiones que los niños que no tocan instrumentos no presentan.

2. Mejora la habilidad en matemáticas

Por las reglas que conlleva, es sabido que existe una relación entre la matemática y la música. Ambas disciplinas presentan problemas y rompecabezas a resolver. Si comprendes las reglas de la música, es probable que entender las matemáticas te cueste menos.

Tener facilidad en matemáticas es beneficioso para muchas carreras profesionales, así como una herramienta útil para la vida cotidiana.

3. Estimulará tu creatividad

Estudios recientes muestran que muchos políticos y empresarios exitosos aprendieron un instrumento musical de pequeños. Cuál fue el instrumento en particular no es lo más importante, sino que estas personas manifiestan que la música les ayudó a ser más creativos.

Tal como dijo Paul Allen, cofundador de Microsoft, la música te permite “ver más allá de lo que existe actualmente y expresarte de una forma nueva”. La música implica crear, ver desde una perspectiva diferente y derribar barreras impuestas por la mente, lo cual necesariamente impactará otras áreas del pensamiento.

4. Te hará perseverante

Todo músico, ya sea amateur o profesional, necesita ser perseverante (y un poco obsesivo) para poder dominar su instrumento.

Este aprendizaje requiere horas de esfuerzo y dedicación y si puedes dedicarle esa energía a la música, probablemente puedas alcanzar otras metas con la misma pasión

. Descubre más información: Guitarra Master

5. Mejora tu conexión con los demás

La música está relacionada con la conexión entre culturas, ideas y perspectivas. Si te encuentras en un lugar desconocido, siempre podrás usar tus habilidades musicales para vincularte con los que te rodean, estableciendo relaciones que de otra manera quizás habrían sido imposibles.

6. Aumentará tu inteligencia

Esto es especialmente cierto si el individuo empieza a aprender música de pequeño. Un estudio descubrió que niños que comienzan a tocar un instrumento alrededor de los seis años muestran un nivel de coeficiente intelectual mayor en comparación con los que no estudian música.

7. Tendrás mejor sentido del ritmo

Para tocar una canción, es necesario seguir los tiempos y el ritmo correcto. Esto puede representar una gran ventaja en el día a día, ya que será más sencillo mantener un orden en tu rutina diaria.

Así mismo, te será útil a la hora de realizar tareas repetitivas a un ritmo regular, lo cual es clave para ser un trabajador productivo y eficiente.

8. Mejora tu autocontrol

Aunque algunos artistas no lo demuestren, el autocontrol es fundamental para sobrellevar el desafío que significa empezar a estudiar música.

Aprender a tocar y leer música no es tarea fácil y requiere mucha concentración mental. Luego, cuando ya conoces la técnica, precisas talento y autocontrol para mantener el ritmo y no desviarte de lo que indica la melodía.

Si esta habilidad se traduce en las actividades laborales, es fácil darse cuenta de por qué tantos músicos terminan siendo exitosos en otros ámbitos.

9. Serás más propenso a trabajar duro para obtener resultados

Como decía Aristóteles, “La excelencia no es un acto, sino un hábito”. Aunque no siempre sea cierto que los que más trabajan sean los más exitosos en la vida, este suele ser el caso para los músicos. Lo bueno de la música es que, si trabajas lo suficientemente duro, probablemente llegues a ser bueno.

Por lo tanto, la música te acostumbrará a pensar que el esfuerzo dará frutos, y aunque no siempre sea el caso, esta mentalidad te dejará mejorar significativamente en otros aspectos.

10. Mejora tu salud y estado de ánimo

Otro estudio, esta vez realizado en la universidad de Helsinki en 2008 por Teppo Sarkamo. Un prestigioso neurólogo que ha dedicado gran parte de su carrera al estudio y el impacto de la música sobre nosotros. Llegó a la siguiente conclusión: realizando terapia musical con pacientes que habían sufrido un accidente cerebrovascular (ictus) consiguió una mejora significativa en las capacidades cognitivas de los pacientes. Incrementando en gran medida la memoria verbal y la capacidad de atención, así como una mejora en las capacidades de lectura y escritura de los pacientes (actualmente se está aplicando esta terapia musical en niños disléxicos para ayudarles). También hubo una mejora significativa en el estado de ánimo de los pacientes.

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¿Qué son los acordes dominantes?

Buen día y gracias es una interesante pregunta:

Son también conocidos como acordes 7, el acorde 7 o dominante hace parte de la familia de los acordes con séptima que comprende los acordes: Maj7, m7, 7, m7b5, dis 7, 7#5, 7b5, mMaj7, entre otros.

Dentro de una escala mayor o menor el acorde dominante es el segundo acorde en importancia, junto con la tónica o fundamental, el quinto grado de una escala es el que genera todo el movimiento de una progresión armónica, está siempre deberá buscar equilibrio o tensión usando uno de los dos acordes.

La función de los acordes 7 o dominantes es la de generar tensión, para comprender esto debemos entender que la música se mueve en dos polos, tensión y equilibrio, en una pieza musical usualmente el acorde en que se termina o acorde final suele ser el acorde de equilibrio y el quinto grado de la escala suele ser el acorde de tensión, para comprender mejor este concepto los invito a tocar en la guitarra la siguiente secuencia de acordes:

C Am Dm G

Ahora cambiemos los finales y terminemos en cada uno de los siguientes acordes:

C Am Dm G “Am”

C Am Dm G “Dm”

C Am Dm G “G”

Podemos notar al hacer esto que no existe una sensación clara de final, siempre se siente como si faltara algo, pero si terminamos la secuencia de acordes de la siguiente manera vamos a sentir un final claro y contundente:

C Am Dm G “C”

Esto sucede porque en este caso el acorde de C es el principal de la escala y al ser el primer grado es el que genera equilibrio, los otros acordes de la escala tienen la función de generar tensión, unos en mayor grado que otros.

El acorde del V grado es el que más genera tensión, es por eso que las combinaciones C G o D A son tan comunes en las canciones, en este caso estamos hablando de una relación I V, “equilibrio / tensión”

En nuestro ejemplo anterior el acorde de V grado sería el acorde de G, si nosotros deseamos que este acorde genere mucha más tensión de la que ya genera lo usamos como acorde de tipo dominante o acorde 7 (G7) y no como acorde mayor (G), en nuestro ejemplo anterior la secuencia de acordes quedaría de la siguiente manera:

C Am Dm G7

Debemos comprender que los acordes 7 pueden o no aparecer en las canciones que interpretamos, pero si el acorde de V grado aparece como mayor y no como dominante no indica en ninguna circunstancia que no lo podamos implementar, solo debemos identificar el quinto grado de la escala en la que nos encontramos y convertirlo en acordes 7, vemos los siguientes ejemplos:

F Gm C Dm = F Gm C7 Dm

A F#m C#m E = A F#m C#m E7

De esta forma podemos aplicar nuestros acordes 7 para generar tensión sobre cualquier canción, solo necesitamos identificar la escala en la que nos encontramos y aplicar el acorde dominante sobre el V grado de la escala.

El acorde de quinto grado funciona mejor cuando se le agrega tensión, por esta razón es común encontrarlo con novenas C7(b9) o con trecenas c/ (b9 b13) entre más cargado genera mayor tensión y por ende es más efectivo.

Ahora quiero hablar un poco acerca de la composición de este acorde y el por qué es un gran generador de tensión.

Descubre mas información:

Estructura de los acordes 7

1 3 5 7 m

Primer grado, tercera mayor, quinta justa y séptima menor, entre los grados 3 y 7 se genera lo que se conoce como un tritono y cuando lo hacemos sobre el quinto grado de la escala

tenemos un tritono tonal:

Si estamos en la escala de C mayor el tritono estaría comprendido por las notas: F y B

C D E F G A B

Estas notas hacen parte del acorde de G7 V grado de C: G B D F

El tener el tritono tonal es la razón por la cual esté acorde genera tanta tensión y nos hace siempre volver hacia el primer grado.

Resumen:

La música se divide entre tensión y equilibrio

El equilibrio está representado por el I grado

La tensión está representada por el V grado

Si deseamos generar más tensión podemos volver el acorde de quinto grado 7 o dominante.

La razón por los acordes 7 o acordes dominantes ubicados sobre el V grado genera tensión es porque tiene el tritono tonal.

Los acordes de dominante y subdominante definen la tónica. La dominante se encuentra una quinta por arriba de la tónica y la subdominante una quinta por debajo (por eso se llama subdominante):





Estos dos acordes definen a la tónica como centro tonal o punto descanso. Por eso decimos que una pieza está en do mayor cuando el acorde de do mayor tiene función de tónica.

Los 5 tipos de acordes dominantes que a continuación les presento podrán ser encontrados en diversas composiciones/ canciones/ cadencias sobre diferentes estilos de música.

Dominantes Primarios: tanto en tonalidad Mayor o Menor, son aquellos acordes dominantes que se encuentran en el quinto grado de la escala (V7). Tienen la tendencia a resolver al primer grado (I) por intervalos de cuarta justa, reafirmando la tonalidad de una canción/ cadencia.

Dominantes Secundarios: son aquellos acordes diatónicos que no son dominantes y se convierten momentáneamente en dominantes para resolver por intervalos de cuarta justa. Los Dominantes Secundarios tienden a simular el color del Dominante Primario.

Dominantes Sustitutos Tritonales: son acordes dominantes que reemplazan/ re-armonizan a cualquier tipo de Dominantes. Surgen de cambiar el acorde original por otro desde su cuarto grado aumentado (#4) y tienden a resolver por semitono descendente.

Dominantes Extendidos: son un patrón de acordes dominantes que resuelven en otro Dominante por intervalos de cuarta justa.

Dominantes Contiguos: son patrones de acordes dominantes que ascienden por Tono o Semitono (usualmente) hacia otro Dominante.

¡¡¡Te invitamos a ver más información detallada en nuestro increíble sitio!!! hecho con mucho cariño para todos los estudiantes de música y especialmente de guitarra.

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